Grazie a tutti

Stasera andrà in onda l’ultima puntata di questa stagione di Terza Pagina.
Non ho mai fatto televisione in vita mia, e per questo, quando mi arrivò la proposta di condurre un programma, ormai quasi cinque mesi fa, mi si affollarono in testa mille domande: se ne sarei stata in grado, se alla prova dei fatti le persone che mi avevano dato fiducia sarebbero state soddisfatte del mio lavoro, se saremmo arrivati fino in fondo, anche. Ecco, in fondo ora ci siamo arrivati, ed è stato faticoso, certo, e ho dovuto imparare un lavoro nuovo, e rifrasare la mia vita su un impegno completamente diverso da quelli avuti fin qui, ma è stato esaltante, devo dirlo. È stato fantastico imparare qualcosa di nuovo, e non solo in termini del lavoro che ero chiamata a fare, ma anche per tutto quanto i miei compagni di viaggio, Federica Gentile, Alessandro Masi ed Emanuele Bevilacqua mi hanno permesso di imparare. Ogni puntata mi ha aperto nuovi orizzonti, mi ha permesso di approfondire cose che prima non avevo né tempo né scuse per studiare, mi ha portata in contatto con realtà che non conoscevo, mi ha fatto imparare cosa nuove.
Per questo mi sento di ringraziare in primis Silvia Calandrelli, Piero Corsini e Luigi Bertolo che mi hanno dato fiducia, e mi hanno scelta sostanzialmente a scatola chiusa, permettendomi di provarmi in qualcosa che non avevo mai fatto. Spero di essere stata all’altezza delle aspettative e del compito datomi.
Un grazie grandissimo anche a Claudia Bonadonna e Maria Agostinelli, con cui abbiamo condiviso il lato autoriale del programma. È stato stimolante e divertente, e mi mancheranno le nostre riunioni in giro. E grazie mille alla new entry Silvia De Felice.
Grazie ai già citati compagni d’avventura, a Stas’ Gawronski e ad Arnaldo Colsanti: più di molte altre cose, un programma televisivo è il prodotto di uno sforzo collettivo, e sono davvero contenta che le varie alchimie di questo si siano amalgamate in modo così felice.
Grazie al regista Umberto Contasta, alle troupe che si sono succedute in questi mesi nel nostro studio di Saxa Rubra, a Giulia Penzo per l’impagabile aiuto, alle truccatrici che hanno fatto un lavoro splendido, ai montatori.
E poi grazie a tutte le persone che ci hanno seguito, che ci hanno fatto i complimenti, che ci hanno dato suggerimenti. Mi sono spesa molto per questa cosa, cercando di dare del mio meglio e di imparare il più possibile, e il vostro affetto e il vostro apprezzamento sono stati importantissimi. È stata un’esperienza esaltante, che mi ha regalato molto, e che spero di continuare a portare avanti. Per il resto, buone vacanze, e buoni viaggi, visto che è proprio di questo che parleremo stasera. E indovinate io che meta vi consiglierò ;) .

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Solo A Star Wars Story, la recensione: Rogue One scansate

Non ho mai sentito un reale bisogno che l’universo filmico di Star Wars venisse espanso. Non pregavo per una nuova trilogia, e ho accolto la notizia che ci sarebbero stati degli spin-off con una discreta indifferenza. Quando ho saputo che ne avrebbero girato uno su Han Solo, mi sono semplicemente detta che non se ne sentiva il bisogno. Ho seguito con filosofico distacco tutte le notizie su attori protagonisti incapaci e registi silurati in corso d’opera. Sentivo che era una storia che non mi riguardava. Il trailer me lo sono visto perché, dai, per me è quasi lavoro. E comunque si tratta di Guerre Stellari. E, a sorpresa, I’ve had a good feeling about it. Non era un trailer paraculo, come molti di quelli più recenti. Diciamocelo, ormai il trailer è un genere cinematografico a parte, con opere che raccontano storie praticamente autonome rispetto al film, che del film stesso ti dicono pochissimo, e della pellicola spesso sono di gran lunga migliori. Il trailer di Solo no. Era un trailer come se ne vedevano una volta, e trasmetteva l’idea di un film col giusto mood, solido e un po’ old style. E quindi nulla, alla fine sono andata a vedere anche il film. Oggi. E alla fine mi è partito l’applausino, perché per l’80% della visione sono stata col sorriso sulle labbra, mi sono divertita per due ore, e io non so cos’altro si possa chiedere a un film di Star Wars se non che quel che ci dà Solo. Davvero. Non ci saranno spoiler, per cui andate avanti tranquilli. Quel che ci sarà, saranno ampi pipponi sui massimi sistemi della narrazione d’intrattenimento, su questo siete avvisati :P .
Metto le mani avanti. Non siamo dalle parti capolavoro. Non ci sono guizzi particolari, se non un paio di belle idee sulle scene d’azione, ma nulla che faccia strappare i capelli. Fin dalla prima inquadratura, Solo non vuole essere altro che un onesto film d’intrattenimento, basato su una trama semplice e personaggi coi quali è facile empatizzare. Non ti vuole spiegare che pure la Ribellione è composta da brutti ceffi, e il male e il bene sono mischiati e bla bla bla (per quanto, c’è una scena di 30 secondi, all’inizio, che spiega meglio di tutto Rogue One quanto sia scema e brutta la guerra), non ti vuole insegnare grandi verità sulla vita, non ti vuole insegnare proprio niente tout court. Ti vuole divertire. Ripetiamo: DIVERTIRE. Ed è in questa sua straordinaria onestà d’intenti, e nel fatto che comunque Ron Howard è uno che il cinema lo conosce e lo sa fare, la sua grandezza. D’altronde, non stiamo parlando di sei tizi disperati che devono schiattare dopo due ore di film; Han è il pirata guascone per eccellenza, il personaggio che per tutta la trilogia classica ha tenuto sulle spalle la parte ironica e divertita della saga. E Solo è proprio questo: un film intriso di quello spirito degli episodi IV, V e VI che, nel corso degli anni, semplicemente si è perso – e solo in parte, e in modo non del tutto riuscito, si è cercato di recuperare in The Force Awakens -, una grande e bella avventura su gente che vuole esplorare la galassia, conquistare la bella del suo cuore, ma soprattutto esplorare la galassia, e sparare alla gente.
Sembra tutto estremamente ovvio, che uno a volte al cinema abbia anche solo voglia di divertirsi, soprattutto quando va a vedere un film così pop, e invece non lo è. Tutti i film del genere più recenti non possono esimersi dal cercare di essere “adulti”, qualsiasi cosa questo voglia significare, dall’avere una “svolta dark”, che, sia maledetta, ha rovinato anche roba bella come Harry Potter. Non a caso, la critica più incomprensibile che ho letto sul film si lamenta che è “roba per ragazzini”. Esatto. Come tutta la trilogia classica di Star Wars, che, vi do una notizia straordinaria, non è Godard, non è Truffaut, ma è un film – seminale, certo, che rilegge e rinnova temi antichissimi, fondando sostanzialmente un’epica moderna – per bambini, cresciuti e non. È una fiaba. E non c’è nulla di male nell’esserlo, e nell’apprezzarlo. L’uomo di fiabe vive, ha sempre vissuto. Siamo noi che, per darci un tono, abbiamo costruito intorno a Star Wars un apparato critico la cui unica funzione è ormai solo nasconderci la verità: che questa storia ci piace perché ci fa tornare bambini. Che vergogna, eh?
Comunque. Per quel che mi riguarda, Solo è il gran film di avventura a tema Star Wars che aspettavo da Il Ritorno dello Jedi. Una cosa diversa rispetto al filone principale della saga, ma di cui personalmente sentivo il bisogno. Succedono tante cose, in una trama lineare, semplice, ma intorno alla quale si tesse una girandola di eventi perfettamente calibrata: non ci si annoia mai, ma non ci si deve mai fermare a pensare cosa stia effettivamente accadendo, perché tizio si ritrova lì e a far che. Tutto è chiaro e cristallino, e scivola via in scioltezza. I personaggi, a parte una grossa eccezione, sono interessanti, divertenti, e ci si appassiona loro in meno di zero. Le inevitabili morti coinvolgono lo spettatore, ed entrare nel film, nella sua atmosfera, è facilissimo. L’eccezione è Qi’ra; personaggio messo lì perché il romance è un elemento topico di film del genere (ci arriviamo), non è risolto, forse volutamente. Infatti mi ha sorpresa, ma il film ha un finale spalancato, che sta proprio sulle spalle di Daenerys (dai, purtroppo Emilia Clarke ormai Dany ce l’ha stampata addosso, è un personaggio da lei inscindibile). Resta il fatto che le sue azioni sono le meno giustificate del film, e forse due minuti due per spiegarci cosa sono queste cose indicibili che ha fatto (o almeno farci vedere come queste cose indicibili l’abbiano trasformata, e fatta diventare una donna diversa e più dura) potevano essere utili. Ma è peccato veniale.
Per il resto, il film fa quel che deve, davvero. L’adesione al canone di Star Wars, in termini di scene tipiche della saga, è commovente. C’è l’inseguimento, il mostro, la storia d’amore, lo humor. C’è tutto quel che ti aspetti, servito con tale garbo e maestria che non stai mai lì a dirti “eh, ma è tutto già visto”. No, dannazione, no! È già visto se è messo in scena in modo sciatto e banale, ma Howard è uno che questi meccanismi li conosce bene, e quando li mette in scena, non lo fa perché gli son finite le idee, ma è perché come fossimo nell’epica classica, in cui sai che Aurora ha le rosee dita e, quando l’eroe muore, le armi tuonano su di lui. È il canone del genere, è ciò che rende questa storia archetipica, e dunque così amata. Per altro, i rimandi all’universo di Star Wars sono così tanti che a un certo punto uno smette anche di vederli e contarli: rimandi in termini di scene, di elementi di trama, di oggetti e personaggi. È un film profondamente dentro l’universo di Star Wars, più di qualsiasi altro dei nuovi.
E poi c’è questa cosa meravigliosa, per cui tu sai cosa succederà in certi punti, perché è storia: sai che Han vincerà il Millennium Falcon a carte, sai che la sfangherà, e farà la dannata rotta di Kessel in dodici parsec. Il rischio noia è quindi altissimo. E invece no: perché quando dietro la camera hai uno che sa fare il suo lavoro, quello riuscirà a crearti la tensione anche dove non può essercene, sparigliando le carte, creandosi isole di libertà creativa anche nell’alveo di una trama che chiunque sa essere già scritta. Non vi faccio spoiler perché questi pezzi di bravura vanno apprezzati anche grazie all’effetto sorpresa, e io ho apprezzato davvero molto.
Spendo due parole anche per il cast, che, a mio modesto parere, è azzeccatissimo. Sì, anche Alden Ehrenreich, che ha la faccia giusta, e non sarà il mejo attore del bigoncio, ma come Han Solo pischello funziona, e bene. Lando fantastico, e grandi anche tutti gli altri.
Insomma, io ve lo consiglio tantissimo. A patto che sappiate lasciarvi ancora andare a godere dell’avventure pura e semplice, che non si propone scopi alti, ma solo dell’ottimo intrattenimento, realizzato al meglio delle capacità di tutti coloro che hanno contribuito a produrlo. In questo senso, è un grandissimo film, come se ne vedono pochi, di recente, e come vorrei vederne di più.
Il cinema è bello perché è vario, ce n’è per tutti i gusti, e ormai anche Star Wars è un universo enorme, in cui ognuno può trvare la declinazione più adatta ai propri gusti. E Solo è il piatto giusto per il mio palato.

P.S.
Per chi volesse capire il titolo della recensione, qui trovate ampia disamina del perché Rogue One non mi è granché piaciuto.

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The secret project unveiled: Terza Pagina

Chi di voi mi segue sui social avrà notato di recente un po’ di stati sibillini: riferimenti a non meglio specificate “cose nuove”, viaggi alla Rai, esperimenti…Ecco, siccome in passato ho dato annunci prematuri, e quindi ora ho una naturale tendenza all’andarci piano e al pessimismo quando si tratta di cose nuove, non volevo darvi notizie più precise prima che tutto fosse super-sicuro. Adesso – pare – lo sia, per cui sciolgo la riserva: il famoso progetto nuovo è una trasmissione televisiva di Rai5, che condurrò tutti i venerdì a partire da questo. Andrà in onda alle 22.10, si chiama Terza Pagina, ed è una chiacchierata sulle anticipazioni delle pagine culturali dei quotidiani italiani in uscita nel week end. Si parlerà un po’ di tutto – arte, libri, cinema, musica… – in modo speriamo divertente e stimolante. Con me, tre ospiti in studio fissi: Federica Gentile, autrice radiofonica e televisiva, nonché conduttrice di RTL102.5, Emanuele Bevilacqua, docente di economia dei media, e Alessandro Masi, critico d’arte e segretario generale della Società Dante Alighieri. Noi ci stiamo divertendo molto a progettarla e a farla, spero varrà lo stesso per voi.
Sapete che per me è una cosa davvero inedita e nuova, che però mi sta stimolando davvero tanto; ecco, se mi seguite, ne sono davvero contenta :) . Per altro, la trasmissione verrà trasmessa anche su Rai3 all’1.20, e poi la potrete trovare su Raiplay, per rivederla quando volete. Dai, che mi ci vuole un po’ di sostegno :) . Ci si vede dunque sugli schermi venerdì!

Ne approfitto pure per parlarvi un po’ di Torino. Il mio evento di domenica, in arena Bookstock, ore 14.30, sarà una cosa un po’ particolare: è organizzato in collaborazione con Lucca Comics & Games e sarà strutturato come una specie di quiz in cui verranno fatte delle domande sui miei libri. I partecipanti saranno scelti così:
1. uno sarà scelto oggi, e sarà la prima persona che risponderà a una domanda, sempre a tema me e i miei libri, posta sul profilo Facebook di Lucca Comics & Games;
2. un secondo sarà scelto domani, e sarà la prima persona che risponderà a una domanda posta sul mio profilo Facebook;
3. una terza sarà scelta invece direttamente domenica, tra le persone delle prime file, sempre tramite una domanda.
Cosa molto importante: partecipate solo se sapete che sarete domenica a Torino. Non è che vincete il viaggio fin lì e il biglietto per il salone :P , vincete solo la possibilità di partecipare a questo gioco al mio incontro. Bon, dunque stay tuned oggi e domani per le domande.
Da qui è tutto, ci si vede presto :)

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Pandora 4 tour e accessori

È ora di raccogliere tutte le informazioni circa la prossima uscita di Pandora 4 – Il Potere di Arishat.
Il libro uscirà il 30 aprile, e si tratterà del capitolo conclusivo della saga. La copertina la trovate qui sotto. Sul retro della copertina troverete la seguente frase:

«Ci sono verità che nessuno può insegnarci, che dobbiamo capire da soli, a prezzo del nostro sangue. Io ho appreso la mia parte su questa rupe, combattendo.» La cicatrice che il monaco aveva sul volto parve rilucere. «Tu devi apprendere la tua, combattendo a tua volta. Solo allora capirai il mistero del manufatto che sto per consegnarti.»
«Le Ali della Morte…» disse piano Pam.

mentre la quarta è questa qua:

“Samael ha posseduto Sam, il ragazzo di cui Pam è perdutamente innamo­rata, e ora il più potente degli Ange­li della Morte è sotto il dominio della Medium S.p.A, una società determina­ta ad asservire il demone e i suoi malva­gi sodali a un terribile disegno. Mentre ogni speranza sembra perduta, una don­na misteriosa entra in scena: è l’Acro­bata, una guerriera dall’oscuro passato alla ricerca delle Ali della Morte, un oggetto che potrebbe rovesciare le sorti della battaglia. Il manufatto è custodito nel ventre di un’antichissima roccia, do­ve da secoli un misterioso mentore at­tende Pam. Ma le sue parole sono un enigma che solo Pam può risolvere: riu­scirà il prodigioso bracciale a “concilia­re ciò che è in conflitto”?
Come nel mito di Pandora, nel capitolo conclusivo della saga fantasy dal cuore dark Pam dovrà misurarsi con i demo­ni che lei stessa ha liberato, ma soprat­tutto scoprire l’unica arma in grado di sconfiggerli per sempre.”

Il 29 aprile, alle ore 17.00, farò una diretta sul mio canale youtube; vi leggerò il prologo, e poi risponderò alle vostre domande. In genere queste cose le facevo su Facebook, ma voglio provare su quest’altro canale, per cui, se combino casini, abbiate pietà che sono una newbie :P .
Vi anticipo anche che sarò al Comicon, a Napoli, dove presenterò il libro in anteprima. Il primo evento sarà il 30 aprile, ore 14.00, in Sala Andrea Pazienza, Area Fumetto. Si parlerà di fantasy e della sua transmedialità assieme a Esad Ribic, Giuseppe Camuncoli, Luca Enoch e Stefano Vietti. Il giorno dopo, 1 maggio, ore 11.00, sempre in Sala Andrea Pazienza, Area Fumetto, presento il libro con Roberto Recchioni. Segue sessione firme alle 13.00 al Punto Autografi.
Il 2 maggio sarò invece a Roma, alla Liberia Mondadori del Centro Commerciale Roma Est, ore 17.00, per una firma copie.
Il 6 maggio, invece, ore 18.30, sarò a Macerata per Macerata Racconta, per una bella chiacchierata assieme a Chiara Valerio.
Infine, il 13 maggio sarò a Torino per il Salone del Libro; appuntamento alle 14.30 in Arena Bookstore.
Insomma, come vedete le occasioni per vedersi/sentirsi non mancano :) .
Chi mi segue sui social avrà anche notato che ho accennato a un progetto nuovo, che si è concretizzato di recente. È una cosa davvero diversa dal solito per me, e mi esalta e spaventa in egual misura. Se tutto va bene, ve ne potrò parlare a inizio maggio, quindi stay tuned :) .
Intanto, godetevi la copertina di Pandora 4 – Il Potere di Arishat e ci si vede in giro!

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Brace yourself, Pandora4 is coming

Ho dato la notizia ieri sera su Twitter, ma direi che è il caso di fare un annuncio un po’ più ufficiale :) .
Esistono data di uscita, copertina e titolo di Pandora4, che, come alcuni di voi ricorderanno, ho finito di correggere la notte di Pasquetta. Insomma, da tre giorni esiste in forma definitiva, i personaggi hanno trovato il loro destino, vedremo che ne penserete quando lo leggerete. Il libro si intitola Il Potere di Arishat, un nome che dovrebbe accendervi una lucina se avete seguito Pandora fin dall’inizio, e uscirà il 30 aprile. Cioè tipo domani, sì. Ora capite perché ho corretto le bozze di notte :P .
Per la copertina, suspence, ve la faccio vedere più in là. Ci saranno anche un paio di eventi, che poi vi dirò, e probabilmente anche una diretta in cui vi leggerò un brano del libro e risponderò alle vostre domande. Stay tuned.
Nel frattempo, prossimamente ci saranno altri due eventi che hanno a che fare con la scienza. Parteciperò infatti al Festival delle Scienze, qua a Roma, con due eventi: il 19 aprile, dalle 10.00, mi troverete alla Casa delle Letterature discettare di scienza con Sandro Ciarlariello. Invece, il 21 aprile sarò alle 16.30 al Teatro Studio Borgna per discutere di scienza e letteratura con Fabrizio Farina e Andrea Rivera.
Intanto ci si vede là, poi vi darò informazioni sul resto :) .

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The Last Jedi reload. La recensione con l’80% di deliri in più

Ieri ho rivisto The Last Jedi. L’ho fatto come al solito in lingua originale, per l’esercizio con l’inglese, ma pure perché ormai mi piace farlo così. E la sorpresa è stata che il mio giudizio sul film è cambiato. In meglio. Mi era già capitato con The Golden Army, ma in genere è una cosa rara. Molto più facile che un film che mi piaceva alla seconda visione invece mi deluda, o il mio giudizio resti invariato. E invece no.
È che, una volta che non hai più l’ansia, le aspettative, e sai la trama, d’improvviso scopri un sacco di cose che in prima battuta ti erano sfuggite. Che ai fini delle vendite in home video è, immagino, una gran cosa. Ai fini della fruizione del film stesso non so. Non ho ancora deciso se sia un bene o un male.
E quindi niente, il Piccolo Recensore che è in me si è svegliato, e ha deciso di aggiungere una postilla alla vecchia recensione, che potete leggere qua. È che su certe cose ho proprio cambiato idea. Tipo: la prima ora non mi è sembrata così noiosa come ricordavo. Il ritmo è più blando, ma la costruzione dei personaggi e della trama lo richiedono. La parte di Rey e Luke sull’isola ha un suo senso e non è tirata per le lunghe, e anche le chattate Telegram tra Rey e Kylo non sono sovrabbondanti: sono giuste, tutte. Persino il non parlarsi all’interno della Ribellione non l’ho trovata una cosa così ingiustificata come la prima volta. Tutto sommato Poe è effettivamente uno scemo che potrebbe mandare tutto all’aria (e lo fa), e di Holdo non si fida. Resta tirata tutta la dinamica dell’inseguimento al rallentatore tra Primo Ordine e Ribelli. Ok, te lo spiegano, ma perché il Primo Ordine non chiami rinforzi che fermino la fuga dei Ribelli io continuo a non capirlo. Altro grosso problema resta la sottotrama di Finn e Rose, che è pure gradevole, ma non va da nessuna parte. Non serve a niente, se non ad aggiungere inutile minutaggio al film. L’effetto è stato lo stesso della prima visione: arrivati al duello di Rey e Kylo, sembrava che il film fosse finito. E invece mancava la parte più importante.
Quindi dici: vabbé, ma dov’è che hai cambiato idea?
Nel giudizio complessivo. È un film compatto, ragazzi, non è per niente diviso in due come mi era parso. E fin dalla prima scena ti dice a che gioco sta giocando, anche se le carte te le scopre lentamente. Ma è come il famoso patto col diavolo citato ne Le Postille a Il Nome della Rosa da Eco: il film te lo sta dicendo dove sta andando a parare, da subito. E d’improvviso mi è stato chiaro perché tanti fan non l’hanno apprezzato. È un’enorme opera di decostruzione di quanto prodotto nel film precedente, ma anche nelle altre trilogie. Il famoso “culo” di Leo Ortolani (referenza, che sennò è tutto molto ambiguo :P ). Si parte distruggendo la figura dell’eroe, pur celebrata nella prima, bellissima scena, della sorella di Rose che si fa schioppare per distruggere l’incrociatore. Poe manco fa in tempo a mettere piede sul ponte della sua nave, che Lela già gli dice chiaro e tondo che ha fatto una cazzata, e che i suoi eroi sono tutti morti. E si prosegue così. Finn incontra Rose, e anche qua si ricama intorno al concetto di eroe: per Rose Finn lo è, ma noi sappiamo che è un povero Cristo infilato in un gioco più grande di lui, spinto avanti più che altro da una possente trazione tricotica (tira più un pelo di Rey…). E infatti Rose lo deve fulminare perché sta scappando. Su Luke manco mi pronuncio, che tutta la parte sull’isola è solo un’enorme, gigantesco manifesto de “gli eroi non sono per niente come te li immagini, e comunque sono tutti morti”. E lasciatemi spendere due parole per la gigantesca figura di Luke, che manco a Mark Hamill è piaciuto e io davvero non capisco perché: è il maestoso monumento al fallimento di un’intera generazione che credeva a qualcosa, e ha scoperto di non essere all’altezza dei propri sogni. E sì, è stato proprio lui a mandare tutto in vacca (anche se la sceneggiatura ammorbidisce un po’ il suo tradimento nei confronti di Ben) e allora? C’è un uomo sotto l’accappatoio di spugna marrone, un uomo ferito e abbattuto, che pure, alla fine, ha la forza di risollevarsi e almeno morire facendo ciò in cui crede, in un passaggio di testimone da brividi.
Ci distruggono un po’ tutto: l’eroina predestinata che è figlia di N.N. ed è stata scelta dalla Forza a caso, i Jedi che non erano ‘sto granché, l’equilibrio nella Forza che non significa più riassorbire il male nel bene, ma accettare che entrambi esistono, e non possono essere ridotti l’uno all’altra. E questa decostruzione trova il suo contraltare nel ribaltamento di molte scene topiche degli altri film. Grandissimo, per dire, il pezzo del ferro da stiro. Che, immagino, la maggior parte della gente abbia considerato una roba fuori luogo, e invece appartiene ancora a quel filone di uccisione dei padri cui tutto il film, in ogni fotogramma, allude. Sì, ragazzi, la nave di Boba Fett è un cazzo di ferro da stiro da lavanderia, ok? E ve lo sbatto in faccia. E anche Luke che butta via la spada, infrangendo uno dei grandi stilemi di questa saga (quando ti danno la spada si fa la faccia seria, e sei investito a cavaliere), che a me non fa ridere manco per niente. O ancora Kylo, verso la fine, che quando vede Luke non pensa a scendere dalla nave e affrontarlo in singolar tenzone, stile Obi Wan con Darth Vader, ma gli fa scaricare addosso vagonate e vagonate di colpi, che è il contrario di tutto ciò che ci hanno sempre detto di come vanno le cose tra grandi nemici.
E poi, la morte di Snoke. La morte di Snoke è un capolavoro. Perché è identica a quella dell’Imperatore in Return of the Jedi, almeno fino a un certo punto. Identica la posizione dei personaggi, identiche le cose che si dicono, identica la flotta ribelle, là fuori, che rischia di essere spazzata via. E tutti noi siamo lì a sbuffare, a dire “sì, ma questo l’ho già visto”. E allora Johnson ti spara in faccia “col cavolo!”, e Ben affetta Snoke – in modo per altro decisamente poco eroico, con uno stratagemma piuttosto vile – e a quel punto il film sterza. Fine, ragazzi. Tutti i padri sul tavolo stati ammazzati, eroi non ce ne sono più, ci sono le nuove generazioni, e sono loro che porteranno avanti la baracca. E, come dicevo anche nella precedente recensione, quest’opera di distruzione non è fine a se stessa, ma propedeutica a una nuova epica, disincantata quanto ti pare, ma comunque pregna di afflato mitico. Ma non sto a ripetere cose che ho già detto l’altra volta. Piccolo inciso, per altro, sulla morte di Snoke: mentre avviene, Snoke letteralmente la descrive. È una di quelle cose che puoi notare solo a una seconda visione, perché sai cosa accadrà, ma Snoke dice tutto ciò che fa Ben, e ho trovato il tutto piuttosto ambiguo. Ok, è vero: Ben gira la spada davanti a Rey, davanti a Rey la attiva, tutto specularmente alla spada di Luke sullo scranno di Snoke. Ma mi sono comunque domandata se sotto l’omicidio di Snoke non ci sia altro, se l’inutile cattivo con la faccia scartavetrata forse non la sappia più lunga di quanto immaginiamo e non sia proprio morto morto morto.
Altra cosa che cogli solo se riguardi, è che anche il duello nella Forza di Luke e Kylo è un gioco di prestigio con le carte scoperte. Luke si presenta con una spada che è stata distrutta qualcosa come dieci minuti di film prima, e per tutto il duello lui e Kylo non si toccano mai. Non si incrociano neppure le spade. Te lo stanno dicendo che Luke non è la, ma la forza iconica di quel che accade, la capacità di costruire la scena, sono tali che non te ne accorgi. Ci devi proprio fare caso.
E insomma niente, tutto il film è una cosa pensata. C’è una poetica dietro, per scomodare un parolone. Che avevo già intravisto in prima visione, ma che quando riguardi, spoglio di tutte quelle ansie da prestazione con cui uno va a cinema a vedere un film di Star Wars, emergono con grande prepotenza, che ti si impongono. Per altro, questo film potrebbe persino non avere un seguito. Non è il segmento centrale di una saga di tre. È l’episodio finale di una bilogia. Ha una conclusione in sé, e lascia per il dopo un territorio completamente vergine, che è possibile davvero popolare con tutto ciò che si vuole. Qui è dove mi astengo dal ripetervi di nuovo che l’idea che dopo questo film torni in sella J.J. mi metta la depressione, ma lo sapete già.
E quindi niente, lo volevo dire. Perché mi è piaciuto, perché dentro ci sento spirare lo spirito dei nostri tempi, e, non lo so, secondo me questo film è destinato a durare, più degli evanescenti prequel, più del riassuntone delle precedenti puntate di The Force Awakens. Lo riprenderemo in mano, tra qualche anno, e capiremo che ci diceva davvero qualcosa di quel che siamo, qui e ora, di quello in cui crediamo, e che, come la trilogia originale, ha quanto meno tentato di porre le basi di un’epica nuova. Poi, vabbè, arriva Jar Jar Abrams e probabilmente brasa tutto, ma il tentativo c’è stato, e non potrà essere del tutto cancellato. E noi siam tutti un po’ il pischello con la scopa (che si vede nella sottotrama di Finn e Rose, l’avevate notato? Notatevatelo!). May the Force, qualsiasi cosa ne sia rimasto, be with you.

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Altered Carbon. Anche meno.

Ho finito di vedere Altered Carbon. Trattasi di serie Netflix tratta da un libro che ho molto amato (ma che ho letto un milione di anni fa circa, quindi non chiedetemi troppo della trama che non ricordo); in Italia si chiama Bay City e ve lo consiglio moltissimo. Questo per dire che partivo abbastanza carica a pallettoni, anche se avevo anche beccato qua e là pareri non proprio entusiasti.
Vabbè, dalla premessa avrete che capito che per quanto mi riguarda non ci siamo. Non ci siamo per una serie di cose che ho messo a fuoco abbastanza bene, e per tutta un’altra serie che attengono invece alle sensazioni. Non so quindi se sarò chiara a sufficienza da spiegare perché Altered Carbon è in linea di massima un ni, che però scantona al no per alcune ragioni laterali. Proviamoci, comunque, dai.
Dal lato dei sì si può mettere in blocco tutto il comparto tecnico: la colonna sonora è perfetta, credo anzi la comprerò, la fotografia magnifica, la regia salda. Casca l’asino giusto nelle coreografie dei duelli, confuse e francamente brutte, con robe che risultano palesemente finte e gente che fa piroette a caso. Esempio, il tizio che correndo fa una sforbiciata in aria per saltare una bicicletta che non stava sul suo percorso. Ma un po’ tutte le volte che si menano è tutto un po’ meh. Il dramma è che il problema peggiora col tempo, con gli ultimi duelli peggiori dei primi. Forse si sarà licenziato il coreografo, chissà.
Piuttosto anonima anche l’ambientazione. Futuro distopico cyberpunk quadratico medio, come ne abbiamo visti a pacchi: un po’ Nathan Never, un po’ Blade Runner, un po’ Cowboby Bebop. Un minimo di sforzo in più per immaginarsi un futuro meno trito sarebbe stato gradito. Spiccano ovviamente l’idea delle pile corticali, che viene sparata dal libro, ed è il fulcro di tutto, e Poe, l’AI/hotel del mio cuore, che appena l’ho visto l’ho amato, è il peggior spreco di personaggio della storia della fantascienza, e adesso voglio lo spin off, qui e ora, datemelo e nessuno si farà male. E con questo, abbiamo più o meno esaurito i lati di eccellenza. Rimane il resto, che è penosamente medio.
Vagamente arruffata la trama, anche se, va detto, è ben condotta, senza eccessive pigrizie di sceneggiatura e facendo tornare tutto di un gran bene alla fine. Però è un casino. Alla linearità della trama hard boiled del libro – ed era quello, il bello, un hard boiled di fantascienza – si sostituisce un casino di trame e sottotrame che spesso interessano poco. Si divaga di continuo, le scene vengono allungate oltre il dicibile, si sprecano inutili flashback per ribadire l’ovvio, e tutto si trascina così, lasciando allo spettatore l’impressione che ogni volta rimanga fuori fuoco la parte davvero interessante. La trama dell’indagine sull’omicidio di Bancroft, all’inizio, per dire, o la tipa blaxploitation-like alla fine, che promette orge di sangue che manco in Tarantino, e poi si limita a due minuti di menare girati male. Vabbè. Ma, voglio dire, uno alla fine a un ritmo un po’ lento può anche passarci sopra. Se ci fossero tipo dei personaggi che non sono etichette semoventi e una trattazione delle tematiche della serie portata avanti col minimo sindacale di approfondimento. No. Entrambi non pervenuti.
I personaggi sono più o meno tutti stereotipati. Che, anche qui, non è un problema: tanti bei topoi narrativi, le migliori opere pop hanno personaggi visti e rivisti ma reinterpretati alla luce di una visione originale, o semplicemente scritti da dio. Per restare in ambito, vedi alla voce Cowboy Bebop. Ma qui niente, tutta gente così che magari dice anche cose, ma in modo terribilmente didascalico. Il duro Kovacs che però, porello, è solo ferito dalla vita; la sorella pazza che vuole solo il fratello indietro; i ricconi stronzi dediti alle peggio perversioni; i ribelli fighi e treccinati (e sempre ben truccati, ragazzi, pure in mezzo alla jungla, che il make up è importante) idealisti e tanto buoni. Tutto così, buttato in faccia un tanto al chilo, col dispendio minimo di energie.
Anche la spettacolare premessa della serie – l’anima ormai per davvero svincolata dal corpo, perché grazie alle pile corticali tutta la tua essenza viene salvata su pennino USB, e quindi può essere travasata ad libitum in altri corpi – viene banalizzata nel più trito “who wants to live forever?”: ma nessuno, ovviamente, perché i limiti, l’umano, che senso ha la vita senza la morte, e via di banalità in banalità.
Ripeto, nessuna di queste tematiche ha un problema in sé. Mi vuoi dire che morire ha un senso nell’economia dell’esperienza umana, che anzi è un’esperienza imprescindibile per potersi definire esseri umani? Ok. Ma sviluppami il tema con un minimo di profondità, non con i cattivi cattivissimi che te lo dicono in faccia. Giuro, a un certo punto c’è una bonona da battaglia che, davanti a una platea di straricchi, dice più o meno testuali parole “so che questa cosa qui è proibita, ma noi siamo Meth, noi siamo sopra le regole, e quindi lo facciamo uguale”. Ma che davero davero?
Poi apprezzo il tentativo di fare una cosa pop, profondamente pop. Ma le cose così bisogna saperle fare. Se vuoi spingere sul pedale dell’eccesso, poi mi vai fino in fondo. Kovacs che si strappa il cuore dal petto, in un interrogatorio per altro di rara inutilità e e tirato così tanto per le lunghe da diventare una specie di tortura pure per lo spettatore, è semplicemente una trashata non supportata da tutta una serie di elementi di contorno che le avrebbero dato dignità. Chi di voi ha letto Bastard!! ricorderà l’effetto che faceva Dark Schneider che si apriva la cassa toracica; roba di un altro livello. La già citata tipa in latex dell’ultimo episodio, vagamente psicopatica e assetata di vendetta, è una bella idea. Peccato che poi la si metta in azione per pochissimi minuti, e faccia un po’ la figura del deus ex-machina (due volte, per di più).
E poi c’è Il Problema: la pesezza. Il mondo contemporaneo dell’intrattenimento è ammorbato da prodotti pop che si prendono incredibilmente sul serio. La pretenziosità regna sovrana, tutti sembra che stiano lì a insegnarti a campare, a svelarti profonde verità sull’umano. Ragazzi, è una serie televisiva, sono storie. Tu non stai lì a insegnare niente. Tu stai lì a divertire la gente, e, quando ti dice bene, a ossessionarne le visioni, a entrargli nel cuore e a restare con lei per sempre. Ma per farlo, non ti puoi mettere su un piedistallo. Devi stare in mezzo alla gente, al suo livello. Stai con loro, non sopra.
Intendiamoci, perché per me questo è un punto molto importante. Io non sto dicendo che il pop non abbia una sua altissima dignità. Lo pratico, voglio dire…e non sto dicendo che non possa veicolare contenuti, anche di peso. Quando è buon pop è l’espressione dello zetgeist, svela lo spettatore a se stesso, è l’espressione di un’intera cultura immortalata in un preciso momento storico. Quindi il pop è importante. Ma la prosopopea con cui certa gente lo pratica è la sua stessa negazione. È mero scimmiottamento della cultura alta. Si chiama pop perché è popolare, nessun autore che lo pratichi dovrebbe mai sentirsi altro che il prodotto di una certa società. Il suo merito sta nella sua capacità di coglierla e rappresentarla con efficacia. Stop.
Bay City era bello perché ti faceva riflettere appunto su quest’ossessione occidentale per il dualismo corpo-anima, indagava i rapporti tra le due entità quando queste vengono per davvero disgiunte, e lo faceva con una trama che divertiva, e un personaggio straordinario, la cui voce era divertente da ascoltare, le cui azioni erano appassionanti da seguire. Non ti voleva insegnare nulla. Ti voleva presentare il proprio punto di vista sulla vita.
Altered Carbon si apre quasi sempre con un pallossisimo pippone filosofico portato avanti dalla voce off screen del protagonista, che dall’alto della sua depressione, maturata in una vita densa di sfighe che manco uno iettatore di professione, ci cala dall’alto la Verità. Anche il messaggio di fondo ti viene sbattuto in faccia. Non è posto in termini dubitativi, non è proposto come suggerimento, no. Raga, se vuoi vivere per sempre sei uno stronzo che tra cento anni finirà a torturare coniglietti per il proprio piacere sessuale. Fine. Non c’è uno dei soli dei ricchi immortali che non sia scolpito ad accettate nel modello bastardo fatto e finito, non c’è ribelle (sì, i ribelli si chiamano Ribellione, così, secco, altro che ISIS, tigri tamil et similia) che non sia un guascone idealista amante dei bambini. Il trionfo del manicheismo spinto. Il peggior buonismo nascosto sotto una patina “realista” solo perché si pigliano a mazzate e ci sono quella decina di nudi frontali maschili e femminili. Grazie per la lezione, ma io voglio continuare a campare fino alla fine dell’Universo, se me ne viene data la possibilità.
E insomma, niente. Non sarebbe neppure tanto male, se non cercasse di essere quel che non è. Non sei un trattato di filosofia, non sei la mejo serie televisiva dei prossimi venti anni. Sei un prodotto qualsiasi che ha sprecato una buona idea in una rappresentazione scialba e priva di mordente. Stacce. E la prossima volta meno arroganza, grazie.
A parte Poe. Poe, ti amo, vienimi a gestire casa tipo Google Home. Anche coi mitra, ovviamente.

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Annihilation, un ameno pic-nic nell’orrore

Ahò, giuro, l’ho visto ieri, il giorno dell’uscita, e per di più di mattina. Ma niente, già ne hanno parlato tutti, e quindi arrivo in ritardo anche stavolta. Sto parlando di Annihilation, il film tratto dall’omonimo libro di Jeff VanderMeer uscito qui in Italia solo su Netflix. Perché ve ne parlo? Perché io quel libro là l’ho presentato, a Gavoi, per la precisione, se non erro tre anni fa. Ero io a far le domande all’autore in una frizzante serata estiva, davanti a una platea di svariate centinaia di persone, per cui in qualche modo fa parte della mia storia. Poi perché è il primo film che vedo su Netflix, e poi perché mi ha colpita. Mi sembrano tutte ragioni di cui frega cavoli a nessuno, ma ciò non mi ha mai fermata dal dare la mia opinione, sia mai :P .
Iniziamo col botto, permettendo a tutti i cinefili presenti di fare harakiri: io, devo dire la verità, questa fruizione particolare dei film nuovi a mezzo Netflix non la disdegno affatto. Contesto: Annihilation è uscito nelle sale tipo di USA, Canada e credo Cina; nel resto del mondo, la casa di produzione ha fatto un accordo con Netflix per una distribuzione esclusivamente digitale. Il motivo è che Annihilation non è esattamente un blockbuster da cassetta, e la casa di produzione non se l’è sentita di rischiare una costosa distribuzione e poi non rientrare delle spese. Il punto però è che io col tempo ho iniziato a non amare più tanto l’esperienza cinema. In parte la cosa ha a che fare col fatto che, quando hai dei figli, andarci diventa sempre più complicato: se non siamo in ambito film per l’infanzia, tocca trovare la quadra tra gli orari del cinema, la tua capacità di tenere la palpebra alzata fino alla fine nonostante le sveglie mattiniere, e qualcuno che ti tenga a casa la prole mentre te ti godi il film. E non è per niente facile, tanto è vero che dall’invidiabile media due film al mese di quando eravamo pischelli, io e Giuliano siamo passati a tipo tre film l’anno. Inoltre, a cinema a volte succedono cose che, come dire, non migliorano l’esperienza complessiva: film che partono venti minuti dopo l’ingresso in sala, perché prima ci stanno quelle ottanta pubblicità varie da fare vedere alla gente, all’interno delle quali c’è spazio per uno, massimo due trailer, schiacciati tra promo di macchine, patatine e il pizzettaro all’angolo; spacchi tra primo e secondo tempo inseriti completamente mentula canis, a volte spezzando a metà una battuta; la gente che parla, la gente che si controlla il cellulare, la gente che ride a caso, la gente.
Ora, è vero che certe pellicole – e questa è una di quelle – beneficiano del passaggio su grande schermo. Penso a tutti quei film in cui l’aspetto immaginifico e gli effetti speciali giocano un ruolo importante, e dunque sul televisore di casa perdono un po’. Che ne so, Pacific Rim, in effetti, visto a cinema era un’altra cosa. Però a casa ho almeno due gran vantaggi: non devo attraversare mezza Roma alla ricerca del cinemino d’essai per vedermelo in lingua originale, e posso rivedermelo quante volte voglio dopo la prima visione. Quindi, boh, io sarei per una sinergia Netflix-cinema di qualche genere. Non è facile farla senza danneggiare le sale, mi rendo conto, ma è pur vero che qua la comodità è tanta.
Ok, ci siamo disfatti con eleganza dei cinefili :P . Possiamo passare a commentare il film.
La prima cosa che balza all’occhio è la contemporanea fedeltà e infedeltà al libro – che mi era piaciuto, visto che l’avevo presentato. La fedeltà sta nelle atmosfere complessive, che sono, vi giuro, identiche a quelle del libro. Mentre tutto il resto è completamente diverso: diversi quasi tutti i personaggi, diversa l’Area X, soprattutto diversa la conclusione della storia, e il suo senso. Ma lo spirito è indubitabilmente quello, ed è probabilmente l’unica cosa che conta. Annientamento è un libro che vive praticamente solo dell’ambientazione. È un viaggio allucinato e allucinante in un mondo incomprensibile, grottesco, estremo. Il resto, storia, personaggi, trama, stanno al traino, e tutto sommato non sono neppure importanti. È importante l’Area X, quella natura virulenta, violenta e inconoscibile che rappresenta quel patto che abbiamo violato millenni fa, quando con la rivoluzione agricola l’uomo smise di essere un animale come tanti e iniziò a modificare pesantemente l’ambiente intorno a lui. Solo che la natura una strada la trova sempre…
Per il film vale la stessa cosa. I personaggi sono praticamente tre, e uno solo ha quella reale profondità che ti permette di empatizzare. La storia è talmente semplice che il regista te la spoilera in apertura, cosicché, a differenza del libro, la tensione narrativa non è tenuta su dal cercare di capire l’Area X e i suoi misteri. Il film si fa vedere solo ed esclusivamente per l’atmosfera di follia che è in grado di generare. La tensione che spinge ad andare avanti nella visione sta tutta là. E non è poco, visto che, appunto, la trama in pratica non c’è. O meglio, c’è, ma non è la cosa importante.
Da un punto di vista prettamente visivo e di capacità di disturbare, e, in parecchi casi, suscitare orrore, Annihilation si becca dieci. L’Area X è qualcosa di indescrivibile, occorre entrarci dentro per capire, e almeno un paio di scene hanno una potenza davvero devastante. Per altro, ci sono due o tre picchi di gore abbastanza spinto. Io pensavo di non avere granché stomaco per queste cose, e invece ho tenuto abbastanza botta. Ma può comunque far impressione ai più delicati.
Quindi tutto bene? Ecco, per me no. Il film riesce perfettamente nella costruzione della tensione, Natalie Portman ci mette del suo con un’interpretazione perfetta, però i nodi vengono al pettine quando occorre tirare le fila. VanderMeer se la cavava riducendo il disbrigo di trama: Annientamento è solo il primo libro di una trilogia, in cui ti vengono date sì delle risposte, ma tutte abbastanza omertose. Il film, che evidentemente non avrà seguiti, invece non può o non vuole esimersi, e dopo la passeggiata di salute in mezzo ai mostri sente di dover dare un volto all’orrore. E lì casca l’asino.
Non lo so, probabilmente è un problema mio, del resto avevo già non mi era granché piaciuta l’incarnazione di IT nel libro, ma quando pompi così tanto sul pedale del grottesco, della follia e dell’orrore, quando al tutto dai un volto rischi di deludere. E gli ultimi venti minuti di Annihilation, per quanto mi riguarda, hanno buttato giù tutta la gran bella sospensione di incredulità che il regista si era guadagnato da me fin là. Ho trovato la scena nel cuore del faro piuttosto ridicola, e quella immediatamente successiva lunga e incomprensibile. Inoltre, tutto finisce un po’ a tarallucci e vino (e qui sarei curiosa di conoscere l’opinione di VanderMeer a proposito di questo clamoroso cambiamento rispetto ai suoi libri), e non basta la scenetta finale, vagamente aperta, a salvare la baracca. No, purtroppo per quel che mi riguarda qua non ci siamo.
Vabbé, ma allora nel complesso? Nel complesso è un bel film che vale la visione. Ok, il finale è un po’ così, ma, non essendo la trama il vero cuore del tutto, ci si può passare sopra. Intendiamoci, il film non è niente di sconvolgente, niente di incredibilmente originale, ma è un’opera solida, e soprattutto c’è l’Area X e la sua natura soverchiante. In molti hanno cercato di trovare il senso del film nel rapporto tra Lena e il marito, hanno parlato di fantascienza filosofica e del cambiamento come chiave di lettura del tutto. Sarà che io ho letto il libro, ma alla fine secondo me Annihilation vuole solo mostrarci quanto niente, veramente niente siamo di fronte alla natura. E, come in tutte le jungle del mondo, alla fine sopravvive chi è forte a sufficienza: perché ha qualcosa cui tornare, perché è determinato a vivere. Ma il mondo sta qua a cercare di ucciderci in tutti i modi possibili e immaginabili, perché non c’è etica, non c’è senso nella potenza virulenta della vita. Ecco, questo Annihilation lo mostra con grande efficacia e potenza, così tanto che alcune scene resteranno con voi. Nei vostri incubi, principalmente, ed è bene, no? Le storie sono qui a destabilizzarci, a spostarci dal nostro punto di equilibrio per costringerci a mettere in dubbio le nostre certezze. E cosa c’è di meglio che una bella passeggiata in un’area disabitata e popolata da creature splendide e mostruose, al sicuro dietro lo schermo di un televisore?

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Licia @Tempo di Libri

Visto che queste elezioni mi mettono addosso un’indicibile angoscia e ho bisogno di distrarmi, parliamo un po’ dei prossimi eventi.
Dunque, anche quest’anno sarò a Tempo di Libri, a Milano. I miei incontri saranno i seguenti:
10 marzo, ore 14.00, firma copie presso lo stand Mondadori;
10 marzo, ore 17.00, parliamo un po’ di Dominio con Mauro Garofalo, in Sala Volta;
11 marzo, ore 11.00, reading al buio, ossia io e un lettore ipovedente ci alterneremo nella lettura di brani dei miei libri, in Sala Suite 2.
Bon, tutto qua. Ulteriori appuntamenti futuri a seguire. Spero ci sarete :) . A presto!

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Devilman Crybaby

Ho letto Devilman credo una volta sola, la bellezza di diciassette anni fa. Ma lo ricordo come fosse ieri.
È un fumetto cui sono particolarmente legata per almeno due ragioni: la prima è che è stato uno dei primi manga che abbia mai letto, credo il secondo in assoluto dopo Ken il Guerriero, e poi perché a farmelo leggere fu mio marito. Era d’estate, ricordo i tre volumi, col titolo in rosso sulla copertina del tutto nera, la carta lucida, e quel tratto violento, grottesco, disturbante, che non ho mai più dimenticato. Per certi versi Devilman è quasi un’opera sperimentale, estrema sia nel tratto che nella trama, assolutamente devastante dal punto di vista emotivo.
Qualche sera fa ho chiesto online un consiglio su cosa guardarmi su Netflix, e così qualcuno mi ha ricordato l’uscita di Devilman Crybaby. Ora, io non ho mai visto il cartone animato storico tratto da Devilman, e forse, ma non ricordo bene, ho visto uno dei due OAV. Conoscendo il materiale di partenza, non speravo in una riduzione decente, ma il trailer sembrava bello e allora ho deciso di guardarlo. E sono rimasta folgorata.
Un po’ di contesto: Devilman è un fumetto seminale di Go Nagai, il papà dei robottoni. Dire quanto sia stata una pietra miliare dei manga è persino difficile, visto che ha influenzato una marea di cose, non ultimo Berserk, il mio manga preferito, che ha un debito fortissimo ed esplicito nei confronti di quest’opera. Devilman, ancora in corso di pubblicazione in Giappone, ebbe una riduzione a cartoni animati, quella con quella sigla clamorosa che i più vecchi tra voi ricorderanno, ma non aveva molto a che fare con la trama del manga, e sterzava decisamente verso i territori del supereroistico. Ora, Netflix ha prodotto una nuova riduzione in 10 episodi. Una sola stagione che esaurisce completamente la trama del manga.
Ora, io non so nemmeno da dove partire. Posso cominciare col dire che trasporre una storia da un medium all’altro è sempre operazione difficilissima, che in rarissimi casi funziona per davvero. Ecco, questo Devilman Crybaby è il case study della trasposizione perfetta. Dentro ci si ritrova tutta l’angoscia, il terrore e il delirio del manga. L’atmosfera è esattamente la stessa, e quel che ti lascia addosso, alla fine, è lo stesso senso di sgomento. Al contempo, però, la storia, che ha pur sempre quarant’anni, anche se certe cose sembrano scritte ieri ispirandosi alla cronaca, è stata aggiornata al presente, ma in modo assolutamente efficacissimo. Perché io non ho mai creduto che una buona trasposizione sia quella pedissequa, che segue il fumetto incollata alla pagina. Ne abbiamo avuto un esempio – Watchmen di Rodriguez – e non mi ha fatto un bell’effetto: voglio dire, se devi rifare il fumetto tavola per tavola, letteralmente, perché cambiare di medium? Dov’è il valore aggiunto?
Ecco, gli autori di Crybaby si sono letti con evidente attenzione il manga, e l’hanno capito, che è l’unica cosa che conta. Hanno capito i personaggi, la storia, il messaggio, per usare una brutta parola. E a quelli la fedeltà è totale. Assieme a parte del tratto.
Ora, confesso che appena iniziato il primo episodio, sono rimasta abbastanza scioccata. Il character design e il tratto in generale spiazza: assolutamente stilizzato, con disegni al limite dell’infantile, e una tavolozza di colori che non prevede sfumature né ombre. Sembrano disegni per bambini. Poi però appaiono i demoni, e sono identici a quelli di Nagai. C’è lo stesso tratto grottesco, spaventoso, ruvido. Devilman stesso, che nelle vesti di Akira è abbastanza distante da quello del fumetto, sembra uscito direttamente dalla penna del suo creatore. E questo fa tutta la differenza del mondo. Perché l’orrore di Nagai si basa proprio sul grottesco, sull’aspetto assolutamente disumano, incongruo dei demoni, creature costituite da un patchwork di membra disgiunte, incollate quasi a caso. E in questo senso anche il tratto così semplice, la tavolozza di colori così scarna serve a stare incollata alla trama, che è poi quel che conta davvero.
Per il resto, gran scrittura e gran colonna sonora, e ve lo sta dicendo una che non ama la techno. Ma ci sta, ancora, ci sta tutta. Voglio dire, è un prodotto curatissimo, e si vede, in cui ogni elemento ha la sua spiegazione, e che soprattutto non ha paura, esattamente come il manga. Va fino in fondo, senza risparmiare niente allo spettatore, proprio come il manga non risparmiava niente al lettore. È un viaggio non tanto nell’orrore del mondo dei demoni, ma di quello degli umani, nell’orrore che la nostra specie è in grado di evocare su se stessa quando si rinuncia a capire l’altro, e lo si riduce a un mero nemico. E non c’è nulla di più attuale di questo, ora e qui, nel nostro mondo che sta cadendo preda di sentimenti che speravamo di aver seppellito insieme ai milioni di morti che hanno causato. E invece sono ancora qua, con noi, nascosti neppure così a fondo nei nostri cuori, pronti a tornare fuori.
Ora, io non so se consigliarvelo. Non è cosa che possa piacere a tutti, e ci vuole stomaco, un sacco di stomaco per sopportare la lenta discesa agli inferi di questi dieci episodi. E non tanto per il tasso di splatter – ovviamente altissimo – o il sesso, o quel che volete, quanto per la difficoltà emotiva nel veder dispiegato davanti a noi il nostro destino, se cediamo ai nostri istinti peggiori. Il mondo di Devilman è il nostro mondo, ma bisogna vederlo coi nostri occhi, seguirlo fino alla sua inevitabile distruzione, se vogliamo cambiarlo. Per cui, se non vi fa paura un viaggio nel lato peggiore dell’umanità, se non avete paura a guardare in fondo a quell’abisso, che, lo sappiamo, ci guarda di rimando, Devilman Crybaby è un’opera enorme, principalmente perché enorme è il manga da cui è tratto, ma anche per la sua straordinaria capacità di mettere in scena il fumetto senza compromessi, mettendone chiaramente in luce lo spirito e la potenza. Unica noticina: nel finale viene lasciata all’interpretazione dello spettatore un elemento fondante del manga. Per carità, non siamo scemi e capiamo, ma, per una volta, lo spiegone finale del manga ci stava, e chiariva meglio il senso della storia.
Comunque, a voi la scelta. Pillola rossa o pillola blu?

devilman crybaby opening from kazerean on Vimeo.

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